温油 (温油辣辣U是不是余多多)

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五月中旬，徐晓伟和家人正处在上海疫情封控的特殊时期，他们的小区情况比较平稳。小范围解封后，午饭和晚饭后小区里偶尔能看到三三两两的居民小心翼翼地活动，唯有孩子们，还会一如既往、无忧无虑地在游乐设施上玩耍。

上海疫情封控期间，徐晓伟作为为数不多的“围城幸运者”之一，尝试用自己熟识的表达方式记录这一特殊时期。

因为疫情，徐晓伟最近也没有什么需要特别忙碌的工作，不过他也没忘了拍照这件事，只是很多时候成为了当日的记录。有时是晚饭后，有时是晚上十点与太太的散步途中，他都会对着熟悉又陌生的小区环境拍上几张。作为为数不多的“围城幸运者”之一，他试图记录特殊时期中发生在自己周围的人和景致的变化。

照片经他的编排，几乎是成对出现，有一张令人印象深刻：左边一张是一位穿着红衣的白发老人，她搂着小孙儿，背影中温馨又带着些许落寞，径直地望着空无一人的前方；右边的一张，是红色滑梯在夜晚孤零零地伫立在浓墨的黑夜之中，如同一抹浓艳的孤魂——一暖一冷，在同样以红色为主基调的对比中，一种混淆了现实与构造，充满了荒诞和奇异的孤凉感油然而生。

徐晓伟的很多时装作品中都有类似这样徘徊于现实与构设冲突下产生的荒诞与超现实感，其中最具代表性的一组名为《荒诞剧》，诞生于2016年，是他当时为《LifeMAGAZINE（生活月刊）》拍摄的，灵感源自摄影大师Roger Ballen的作品。

为《Life MAGAZINE（生活月刊）》拍摄的作品《荒诞剧》， 徘徊于现实与构设冲突下的荒诞与超现实感，灵感源于 他非常喜欢的摄影师Roger Ballen的作品。

Ballen是他非常喜欢的摄影师之一，这位摄影艺术家受从事制图行业的母亲的影响，所以在拍摄中喜欢对拍摄物进行一些干预，在后期时也会适时将其进行一定的调整，而干预本身又为最终的成片风格带来了一种违和的装饰，让Ballen的影像风格变得诡谲多变，布满了难以言喻的恐怖。

徐晓伟从Ballen的风格中获得启发，利用其作品中反复出现的道具和主题:电线、阴影、脏乎乎的脚、弄脏的床单、简陋的涂鸦等，找来模特刘浩和王浩入，以及一只斯芬克斯猫与一条蜥蜴加入，完成了这组创作，而这组照片后来帮他赢得了巴黎PX3摄影奖时尚摄影金奖。

摄影大师Roger Ballen及其作品

彼时与徐晓伟共同完成这组创作的编辑高迟，是与他合作十多年的伙伴，也是多年的好友。他忆起，最早决定邀请徐晓伟共同创作的原因是“在我知道他的时候，他就已经凭借着非常娴熟的技巧相当出名”。两人不计其数的合作，也培养出了无需言表的默契——很多时候，这种默契会被诠释为编辑与摄影师的信任关系以及创作自由的让渡，“和高迟在《新视线》一起合作时，会感受到相当自由的创作度，什么都可以尝试，作为摄影师，我拥有着较为宽松的主动权。”

“人的生长，是挣扎，是矛盾，也是融洽的过程。”

——徐晓伟摄影作品《生长》

不过，“创作自由”和“宽松的主动权”并不意味着不受任何约束，一切的自由都应建立在可控的理性逻辑基础和一定的可控程度上。徐晓伟也坦言并非每一组大片都是源自灵光乍现，“灵感本身即可遇不可求的，能刚好遇上的机会真的太少。”他仔细算了算，“如果一年拍下来能有五次灵感爆发的时候，那我可就高兴坏了。”

“就像是炒菜，你得要先把锅里的油弄热了，才好慢慢下菜，然后翻炒，出锅。”

灵感转化为可视的实景，并赋予对象故事性——或者以掌镜者本身的情绪和目光去挖掘对象内部的故事，这一连串复杂的成像并赋意的过程，徐晓伟用了这个非常巧妙的形容。

作为摄影师，徐晓伟的“热锅”和“温油”的过程循序渐进且漫长。大学时期念的是绘画系，为了画画准备临摹素材，他就自己扛着相机跑出去拍，然后冲印好后拿来用。照片数量日积月累，有一天他看着这么多的照片，心里琢磨着既然拍都拍了，不如给一些摄影比赛投个稿吧，碰碰运气。结果，没想到就真的获得了亚洲青年摄影奖。后来，他决定走上摄影师之路除了喜欢，也有一部分是现实的原因。他还记得，当时教画画的导师告诉他：“反正画画什么时候都可以画，但要想成为艺术家真的太难了。”他心里动念，既然我拍照还不错，那不如就按照这条路走下去吧，“我还是不想跑去坐办公室，上朝九晚五的班，那种生活我受不了，”他笑着回忆道，“那时候是觉得刚好有人给我开了一扇窗，我看了一眼，心想风景还挺好，就这么钻了进去。”

在成为独立摄影师之前，徐晓伟做过三年的摄影助理，稳扎稳打，基础功坚实，因此在摄影技术方面相当扎实。他形容，那段担任摄影助理的时光正好是经历了“由胶卷相机向数码相机的过渡期”

“那时我从来没想过原来胶卷可以消耗到如此之大的体量。我认为那可能是整个摄影环境、技术跟审美最好的阶段。那时候的很多摄影师不是把胶卷当作滤镜在使用，是享受整个完成的过程。一张成片最终效果、质感还有暗部细节如何，很大部分取决于技术层面的冲洗，而冲洗的过程又是个化学反应的过程，从胶卷、机器、药水，每一个环节都有很多不确定存在，只要有一处不达标，成片就会存在一定的遗憾。”

2017年，徐晓伟在中国香港视觉艺术中心举办了个展《TRACE》，展出的作品并非是那些为人所熟知的时尚大片，而是在此之外关于自然、生活、个人思考和探究的记录——“TRACE”是他在这些思索过程中的“痕迹”。而且，该展览中的所有胶片均是黑白色调，“因为彩色的胶片目前我还不具备足够完善它的能力，”他谦虚地表示，“因为我知道自己掌控不了，所以就暂时不会碰，我希望自己的作品还是纯粹些好，因为痕迹（TRACE）本身就是时间留下的轨迹，它也会慢慢自己生长。”

徐晓伟

喜欢用胶片机在旅途中收集故事与风景

但也并非抱着某种目的在有意识地进行捕捉，在旅行中，他会放任眼睛作为真实的取景框，在欣赏沿途风景的同时，启动感知的雷达，容许感性驱使行动。2020年9月，他在以色列和巴基斯坦旅行，记录了许多街头的当地居民真实的生活姿态：孩子们在争端不断的边境之地依旧天真无邪地嬉笑打闹，当地居民坐在街头的咖啡厅神情安静且平淡。尽管画面呈现的是一派祥和，但对当时的徐晓伟而言，百感交集，因为就在拍下这些照片前，他才目睹了当地军人驱赶不同信仰宗教人士的景象，

“镜头中，他们（孩子和居民）的状态是非常开心的，但对异乡的我而言，在当时的那样环境中，我感受到的更多是源自镜框外的东西，所以，一组片子的情绪和故事具体是什么，我在表达什么，我会希望把更多的解读权交给观众。”

旅途中用镜头记录的耶路撒冷，尽管画面中呈现出一派安静淡然的气氛，但对于目睹了当地荷枪实弹下的宗教共存，百感交集。

全球时尚行业的发展速度极快，近几年更是以肉眼可见的速度野蛮生长，徐晓伟偶尔也会感慨现在早已不是“细炒慢炖”的时代，更像是“微波炉热菜”的方式。

“‘叮’的一声，就好了。其实菜的口味也还是可以的，只是我会觉得少了一点仪式感，少了一点火候。但你也不能单纯地说这样是不好的，只是可能大家现在的口味有了一点变化而已。”

他也会感慨，大约是从2017年开始，摄影师，还有其他许多创意人员的主动权似乎正在被市场慢慢剥夺。

“影响还是会有一点的，但也不会很大。我现在拍片的时候，会提前问编辑，‘你希望我放手去做吗？’如果可以，我就会脑洞大开，从整体到细节准备出个尽善尽美的拍摄方案。要是发挥的自由度有限，那就会根据实际情况慢慢一点点调整，至少要保证成片在良好的程度。”

Stevel Meisel掌镜的时装大片中流露出的自然人文气息，在他看来是最为迷人的。“他能把百分之九十的时尚都融进生活里，表现的是一种相对高阶的生活状态。我的话，希望可以再降一降，”他想了想，笑道，“目前我也在通往这个目的的路上，现在可能也是刚好到了瓶颈。”

徐晓伟曾替艺术家好友陈彧君的个展《生长》执导过一支同名实验短片，舞者们在一座被森林围裹的建筑中翩翩起舞，一明一暗，一红一黑，紧凑与相融，松弛与紧张，短片的意味悠长胜过具形具色，即大象无形，看山不是山。风格独特的视觉短片中寄托了徐晓伟对生活与自我的一部分看法：“人的生长，是挣扎，是矛盾，也是融洽的过程。”转换到影像的表达上，对于他而言，是要去繁留简，保留精华，留下最能够表达自己的东西。

“摄影啊，终归是需要一些仪式感的，你要展示出来的、要表达的，是需要经过一番挣扎、平衡和梳理的。”他告诉我，“摄影师不去拍生活，我是觉得不太现实的，是需要每天都在记录、感受的，就像是思考你眼前的一把刷子为什么会挂在这里，而不是在那里，你会纠结一下、停顿一下、思考一下，然后答案就出来了。”

编辑：INKY NO

图片：徐晓伟提供

设计：徐红燕

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